Projet lancé en 1994, l'atelier Violette et Dieudonné est une coopérative d'artisanat d'art et d'entrepreunariat social située dans le quartier Ankazobe Ambohimanambola, à Antananarivo. Autour des métiers de ferblantier et ferronier, l'espace a grandi dans le temps d'un atelier personnel du coupe d'artiste à une manufacture artisanale qui emploie une centaine de personnes au moment où j'y étais et permet l'éducation des enfants des travailleurs et travailleuses à travers une école créée sur le terrain en 2005. Malgré un ralentissement des activités dû au COVID, le projet continue d'évoluer et de se diversifier dans l'agriculture, pisciculture, lombriculture et permaculture avec l'objectif de devenir autosuffisant en nourriture.

Cet article présente le projet tel que j'ai pu le découvrir en octobre et novembre 2025 lors d'une visite guidée par Dieudonné. J'y suis retourné à l'occasion du festival Koba Libre, qui a eu lieu le 22 novembre, vous pourrez trouver des images et photos en ligne, je n'en ai pas pris à cette occasion.

Je me suis intéressé aux procédés de fabrication plus qu'aux objets finis, pas de photos non plus de l'intérieur de la boutique, ne vous attendez pas à trouver ici un catalogue des objets d'artisanat produits, vous pouvez en trouver déjà moult en ligne. Les personnes travaillant à l'atelier n'ont pas été prises en photo pour préserver leur identité.

Ferronerie d'art

Ancien professeur d'EPS issu d'une famille de ferblantier, artisans travaillant l'aluminium pour la réalisation d'outils, Dieu Donné Razafinjatovo, également connu sous son nom d'artiste Donné Vy, reprend la tradition familial et devient à son tour ferblantier et ferronier au milieu des années 90 choisissant d'orienter sa pratique vers l'artisanat d'art après une formation en design en France en 1996. Il crée alors l'atelier avec sa femme d'alors, Violette Ralalaseheno, ancienne athlète de haut niveau devenue artiste, qui le soutient et contribue au projet en organisant la boutique et les ventes à l'étranger tout en développant sa propre pratique artistique. Aujourd'hui reconnus à l'international où ils vendent la majorité de leur production, lauréat⋅es de nombreux prix et récompenses en art et design, ils se séparent après le COVID mais continuent de travailler ensemble au projet familial dans lequel leurs enfants Finoana Ratovo et Fitiavana Rakoto font également une carrière en plein essor.

L'espace s'étend sur 1 hectare, acquis progressivement ces 20 dernières années, abritant les boutiques, les ateliers, les habitations des membres de la famille et plusieurs batiments accueillant des élèves de la partie éducative du projet. Le batiment principal accueille les boutiques de chacun et chacune sur plusieurs étages, l'ensemble du batiment constituant une oeuvre en soi avec ses décorations pleine de symbolisme et ses pièces de ferronerie installées sur les toits et les balcons. L'escalier principal est une reproduction de la main droite de Dieu Donné agrandie 18 fois reprenant la symbolique des 18 ethnies de Madagascar, chaque marche est ornée de motifs d'animaux issus de la faune et la flore malgache ou d'objets incrustés dans l'enduit en terre dont il est composé.

Donné Vy a été novateur dans la ferronerie malgache en y apportant une dimension artistique forte tout en conservant un trait culturel profondément malgache en ne travaillant qu'à partir de matériaux et outils de récupération principalement créés à partir de pièces de véhicules, moteurs, filtres à huile, ou de bidons en tôle. Ces préoccupation de recyclage, réemploi, récupération qui ne sont apparues en occident que depuis une dizaine d'année sont omniprésentes en Afrique et particulièrement à Madagascar où la rareté des ressources a depuis longtemps forgé une culture et une économie basées sur la réutilisation des matériaux qu'on retrouve dans les objets du quotidien.

Toutes les oeuvres sont ainsi, au délà de leur qualité esthétique, un témoignage de ces pratiques typiquement malgaches. Rien n'est jeté, tout est transformé et valorisé. L'expérimentation est constante permettant une évolution continue de l'art et une grande capacité d'adaptation.

Atelier social

Un autre aspect novateur de l'atelier est l'inclusion des personnes les plus exclues de la société en offrant du travail à des personnes handicapées, aveugles, sourdes ou neurodivergentes et aux femmes. La société malgache est très inégalitaire et l'Atelier fait partie des quelques initiatives permettant à ces personnes d'avoir une place dans la société, d'avoir un travail et de retrouver de la dignité dans une société où la différence est le plus souvent motif de discrimination et d'exclusion.

Par superstition, peur ou ignorance, les personnes handicapées sont parfois rejetées, y compris par leurs familles. L'Atelier leur offre une opportunité que le reste de la société leur refuse et leur handicap y est valorisé. La division des tâches et le travail manuel permet à chaque personne d'avoir une palce dans le processus de fabrication, s'adaptant quelles que soient les difficultés. Toute personne participant reçoit un salaire qui augmente à mesure qu'elles apprennent le métier et sont quotidiennement nourries gratuitement.

Éduquer

Depuis 2005, une école est en développement pour les enfants des travailleurs et travailleuses de l'atelier, accueillant 300 personnes au moment où j'y étais. Dispensant des cours des niveaux crèche et préscolaire jusqu'au brevet des collèges, l'éducation à l'écologie et les activités parascolaires sportives et artistiques font partie du cursus de formation des enfants.

Si le projet a été ralenti par le COVID et le lieu encore en cours d'aménagement pour accueillir plus de classes, l'activité est soutenue et les ambitions affichées pour des évolutions futures donnent de l'espoir. À Madagascar, les structres scolaires accueillant des élèves gratuitement sont quasiment inexistantes, ce projet fait partie des exceptions.

Nourrir

Le dernier aspect de l'entrepreunariat social de l'Atelier concerne la production de nourriture, une large partie du terrain étant ainsi occupée par des plantations vivrières et médicinales. Démarré par la lombriculture et la production d'engrais biologique, le sol a été progressivement nourri et enrichi pour permettre de démarrer des cultures productives tout en refusant l'apport d'engrais chimiques et l'utilisation de machines à moteur.

C'est à travers la permaculture que s'est diversifié le projet, organisant la production en utilisant des techniques déjà éprouvées et adaptées au terrain.

Au delà de les cultures du sol, le projet s'oriente également vers de l'élevage animal et de la pisciculture. L'objectif à long terme est d'assurer un forme d'autosuffisance alimentaire pour la cantine scolaire et les repas des travailleurs et travailleuses.

Conclusion

L'Atelier Violette et Dieudonné est un projet total, qui intègre à sa démarche de production d'art et d'artisanat les questions des conditions de cette production. Loin d'être en déconnexion avec leur environnement, les artistes y sont ici pleinement intégré⋅es, l'art devenant presque un prétexte pour concrétiser un modèle social alternatif à la réalité violemment inégalitaire du reste de la société malgache. Cette démarche demande en contrepartie énormément de temps, d'efforts, d'abnégation et de travail pour assurer la pérennité du projet. On ne peut qu'admirer une telle démarche et leur souhaiter un futur brillant.

Lien vers les photos HD

Fondé en 2020 par Joël Andrianomearisoa et Hasnaine Yavarhoussen, Hakanto Contemporary est un centre d'art contemporain à but non lucratif basé à Antananarivo. [...]

Plus qu'un espace d'exposition, Hakanto Contemporary est un lieu de création et d'expérimentation, pensé pour et avec les artistes. Trublion assumé de la scène culturelle, le centre bouscule, interroge, déplace les lignes et revendique l'urgence de la création contemporaine à Madagascar.

Projet indépendant, gratuit et accessible à tous, Hakanto Contemporary affirme une ligne artistique forte et sans compromis, et s'impose comme une institution pionnière de l'art contemporain malgache et acteur dynamique des la création contemporaine africaine.

Extrait de la présentation issue du site web du centre.

Nous avons été visiter le centre en famille après la Fondation H.

Plus excentré à Ankadimbahoaka, le centre est installé un double hangar sobre assez confidentiel bien qu'indiqué par de nombreux panneaux dans le quartier.

L'espace intérieur est divisé en plusieurs petites salles dédiées à des artistes où on trouve des peintures, sculptures, installations et projections et une plus grande où se côtoient des installations plus grandes et des photographies de plusieurs artistes. Au total 19 artistes étaient présenté⋅es dans cette deuxième exposition du centre autour du thème des sentiments.

On avait déjà la précédente visite à la Fondation H dans les pattes et ma petite cousine commençait à avoir envie de rentrer à la maison donc on a passé moins de temps là-bas, je ne serais donc pas exhaustif et vais parler ici uniquement des oeuvres qu'on a eu le temps de voir et que j'ai trouvé intéressantes.

Xhi sy M'aa, M'aa sans toi

Xhi Sy M'aa, littéralement Xhi et M'aa, était un couple d'artistes philosophes prolifiques en musique et en peinture ayant créé un univers singulier à travers une carrière de plus de 50 ans commencée dans les couloirs du métro parisien au début des années 70.

Le décès de Xhi en mai 2024 a laissé un grand vide dans la culture malgache dont témoignent les très nombreux hommages qu'on peut trouver en ligne.

À l'occasion de cette exposition à Hakanto Contemporary, M'aa s'est exprimée pour la première fois depuis le décès de son compagnon sur leur carrière et leurs inspirations devant un public nombreux, témoignant de l'impact et de l'attachement que leur art a suscité chez les malgaches. Consultable sur leur page facebook.

Les oeuvres présentées témoignent de leur attachement aux symboles dont elles sont emplies, comme dans les signes des mains, les postures et les expressions des personnages ou le choix des couleurs. Si la majorité des tableaux sont figuratifs, on trouve aussi quelques exemples de tableaux abstraits montrant la diversité de leur travail.

Mirado, Dia ho iray ihany izaho sy ianao

Mirado est un auteur, compositeur et interprète de chansons d'amour Malgache qui a commencé très jeune sa carrière dans la musique et rapidement connu un grand succès toujours d'actualité qui propose ici pour la première fois une installation.

Il présente son univers intime à travers des objets marquants de sa vie d'artiste comme son enregistreur cassette, des lettres de fans ou sa guitare et de sa vie personnelle comme ses bagues de fiançailles ou des photos répartis dans la salle autour de son bureau au centre de la pièce, lui-même jonché de documents et albums photo permettant de s'introduire dans l'espace sensible de l'artiste.

Les sentiments s'évanouissent dans le temps. Ici, je les garde précieusement.

Richianny et Mat Li, Next to me

Sur des tables alignées en ligne sont installés des objets que le couple d'artistes Richianny et Mat Li ont choisi pour illustrer leur histoire de couple, leur amour, leurs difficultés et l'évolution de leur relation.

On trouve ainsi beaucoup d'objets liés à leur mariage, comme leurs habits de cérémonie et leur gateau de mariage, à leurs parents et à la famille, Mat Li ayant une relation particulière avec sa mère, le tout formant une fresque de leur vie commune s'achevant sur une oeuvre faite de cordes de couleurs, le bleu représentant Richianny, l'or Mat Li et l'argent leur enfant pour symboliser les liens qui se nouent et se tissent ensemble, laissant ouverte l'oeuvre sur l'avenir.

Oeuvres sur lesquelles nous n'avons pas eu d'explications par manque de temps

Temandrota, Lamban'Akoho

Cette oeuvre imposante s'inspire d'un proverbe malagasy disant approximativement “jusqu'à ce que la mort nous sépare”, le Lamban'akoho étant la peau du poulet dont il ne se sépare qu'à sa mort. Elle interpelle et tranche avec le reste de l'exposition, installée sur un mur au fond de l'espace. Les motifs blancs peints sur le tissu noir évoquent les os ou les plumes, les taches pourraient symboliser le sang ou les fientes de poulet.

Donné Vonj, Mamakivaky Fo

Réalisé par le duo d'artiste Donné Vonj formé par Razafinjatovo Dieu Donné, aussi connu comme Donné Vy et Vonjiniaina, ce coeur en terre cuite ou séchée s'étale éclaté au sol sur la dernière partie de l'espace d'exposition.

Le titre signifiant “traversant le coeur”, j'y ai vu une symbolique de la douleur de la séparation, du coeur brisée où l'utilisation de la terre rend l'oeuvre très organique.

Conclusions

Pour imaginer minuit et survivre au matin, Pour rêver la vie avec les étoiles, Pour caresser la peau en tendresse, Pour ne pas se laisser dérober les larmes, Pour rendre l'absence plus légère, Pour défier la fin du soir, Pour ne jamais rencontrer l'oubli, Pour broder des fleurs dans l'insouciance, Pour vaincre seul le combat des passions, Pour troubler la tête dans le sens de la fête, Pour laisser vivre le printemps dans nos coeurs.

Ce que j'ai beaucoup aimé en visitant ce centre d'art contemporain, c'est la mise en avant de l'art et des artistes malagasy autour d'un thème universel qui est exploré à travers de oeuvres souvent très symboliques, spirituelles voire mystiques.

J'ai regretté le manque de cartels explicatifs, car si une médiatrice était effectivement présente pour nous aider à comprendre certaines oeuvres, nous aurions aimé être plus guidé⋅es dans la visite du lieu. Le manque de temps et de patience de ma petite cousine a également joué.

Au final, je suis très heureux car j'ai pu découvrir plusieurs artistes dont le travail m'a touché et intéressé, mais je regrette d'avoir manqué de temps pour bien comprendre tout ce que j'ai vu et réellement faire un tour plus exhaustif du centre.

Photos en haude définition ici

La Fondation H est une fondation malgache d’art contemporain. ‍ Elle a été créée à Antananarivo en 2017 à l’initiative de l’entrepreneur et mécène Hassanein Hiridjee, convaincu que l’art et la culture ont un impact sociétal fort et permettent une ouverture critique au monde. Elle est reconnue d’utilité publique depuis 2018.

Site Internet

Nous avons visité cet espace en famille, cet article présente une partie des oeuvres que nous découvert à cette occasion.

L'entrée et les visites des expositions étaient gratuites et ouvertes à toustes.

Yinka Shonibare, Safiotra (Hybridités)

L'artiste britannico-nigérian présente ici sa première exposition monographique sur le continent africain à l'invitation de la fondation autour de l'hybridité, le terme malgache “safiotra” désignant la fusion de deux êtres pour créer une nouvelle entité tout en héritant de leurs caractéristiques propres.

L'exposition rassemble des oeuvres crées au long de ses 20 ans de carrière, explorant les intersections entre les sociétés, les cultures et les questions coloniales.

La wax, tissu d'origine indonésienne, produit en Hollande et très utilisé en Afrique est omniprésente dans ses oeuvres, directement avec le tissu ou par ses motifs, comme symbole de ces marqueurs culturels du passé colonial que les peuples se réapproprient.

Dès la première salle, il est utilisé sur des statues et une oeuvre monumentale recouvrant tout un mur de la salle de cercles de wax ornés d'animaux symbolisant la diversité de la faune africaine.

Dans cette même salle, un astronaute ou un scaphandrier porte sur son dos un filet contenant divers objets liés au voyage (appareil photo), à la vie quotidienne (marmite, instruments de musique, jeux) et des documents d'archive malgaches (livres, photographies, brochures). En mêlant éléments modernes et traditionnels, cette oeuvre m'a évoqué la modernité dans laquelle sont plongées ou propulsées les cultures traditionnelles portant littéralement sur leur dos leur héritage en avançant vers l'avenir.

Les suivantes qui m'ont particulièrement marquée sont trois statues sur lesquelles ont été peint des motifs wax. Le cartel nous apprend que ces statues s'inspirent des monuments publics célébrant les figures du colonialisme qu'on retrouve à Londres et dans les capitales européennes plus largement. Ici c'est Winston Churchil, la Reine Victoria et Herbert Kitchener qui se voient recouverts par les motifs que l'artiste affectionne. Elles m'ont immédiatement évoqué les déboulonnages de statues de figures coloniales et esclavagistes comme Victor Schoelcher et Joséphine de Beauharnais à Madinina (Martinique) ou d'autres personnalités esclavagistes en Guyane, aux États-Unis et dans bien d'autres endroits du monde qui ont subi l'impérialisme européen, l'esclavage et l'exploitation coloniale.

Plusieurs tableaux et d'autres statues occupent différents espaces, mais l'oeuvre sur laquelle je me suis attardé ensuite est une installation, The African Library, une bibliothèque comportant 6000 livres dont les couvertures sont recouvertes de wax et sur la tranche desquelles sont écrits les noms de personnalités ayant façonné l'Afrique post-coloniale. J'y ai reconnu plusieurs noms de leaders indépendantistes comme Amilcar Cabral, personnalités politiques comme Didier Ratsiraka ou Aminata Touré, mais aussi des artistes comme Gaël Faye et Fou Malade ou des sportifs comme Seydou Keita. L'installation est accompagnée d'un support numérique permettant de parcourir l'ensemble de ces noms et d'en apprendre plus sur la vie et les réalisations de ces 6000 personnalités.

Cette installation permet de matérialiser et visibiliser la quantité et la diversité des personnes ayant contribué au rayonnement du continent africain dans le monde et donne des raisons d'être fier⋅e d'en être issu en changeant le regard qu'on peut porter sur les contributions africaines à l'histoire et la culture mondiale, à rebours du discours politique qui prétendait que “l'homme africain n'est pas assez rentré dans l'Histoire”.

Les dernières oeuvres exploraient le double sens du mot alien qui peut signifier en anglais étranger ou extra-terrestre, à travers des statues représentant des extra-terrestres toujours recouverts des motifs wax et une machine volante créée avec du tissu également orné des mêmes motifs.

Roméo Mivekannin, Correspondances

L'artiste franco-béninois présente ici des oeuvres réalisées en partenariat avec la brodeuse Harivololona Rasamison et les ferronièr⋅es de l'atelier de Finoana Ratovo dans une volonté de faire dialoguer ses univers personnels, de la culture béninoise de laquelle il est issu à Toulouse, sa ville d'adoption jusqu'à Antananarivo qui l'a accueilli pour cette exposition sous le commissariat de Hobisoa Raininoro.

La première installation présente des autels portatifs vodous appelés asen qui servent à communiquer avec les ancêtres et font écho aux autels verticaux présents dans la culture malgache. Réalisées à l'aide de fers à béton, de tubes et de pièces de métal plates, ces sculptures inspirées d'un rêve de l'artiste et conçues comme un contre-rituel, permettent à travers un parcours initiatique de réinscrire dans l'espace d'exposition des pratiques et principes mystiques effacées par l'évangélisation et la colonisation qui les ont diabolisé, détourné ou méprisé.

Il s'agit d'un hommage aux personnes disparues, à nos disparus, aux ancêtres. En tissant le lien entre Madagascar, lieu paradigmatique du va-et-vient de cultures venues d'Asie, d'Europe et d'Afrique, et le continent africain, cette oeuvre parle du départ et du retour de l'art de rendre de nouveau présent⋅es cell⋅eux qui sont déjà parti⋅es. Roméo Mivekannin

Chacun des autel est orné d'un motif empli de symbolique poussant à l'interprétation, questionnant le rapport à la vie, à la mort, aux racines et aux ancêtres, mettant en avant une culture trop souvent réduite à un folklore autour des zombis dans la culture populaire occidentale, ici représentée dans une complexité qui pousse à la réflexion spirituelle.

Après ce premier couloir, on découvre dans une vaste pièce une installation faite de plusieurs broderies reproduisant des cartes postales de l'époque coloniale présentant des personnes “indigènes”, souvent des femmes, souvent sexualisées, dont les visages ont été remplacés par celui de l'artiste accompagnées du texte de la carte postale.

Ce genre de carte postale était très courante à l'époque coloniale dans tous les territoires occupés, mettant en scène les peuples colonisés et surtout les femmes dans des postures de soumission ou des reproductions de “scènes de vie” telles fantasmées par les occupants et étaient envoyées en métropole aux familles et amis des colons. L'artiste a souhaité préservé la dignité des personnes représentées en substituant son visage aux leurs.

Les textes des cartes postales ajoutent à la violence et l'objectification des images une verve dégueulasse dans laquelle des personnes sont réduites à l'état de nourriture ou d'objets pour décrire les situations d'exploitation humaine et sexuelle auxquelles étaient assujettis les peuples dominés par la force et la barbarie ayant accompagnées ces conquêtes coloniales qui se prétendaient, et se prétendent parfois toujours dans les esprits les plus ignorants, “civilisatrices”.

[...] De jolies petites personnes comme ces autres feraient bien mon affaire d'autant plus que le climat excite l'appétit. Hélas! Trois fois hélas! Nous ne disposons pas de tels mets. [...] Extrait du texte d'une des cartes postales

Au delà de la révolte et du dégout que ces images et ces textes suscitent, j'y vois un témoignage cru de la banalisation du mal et du sordide de la domination raciale comme norme, de l'exploitation des corps pour assouvir les fantasmes de puissance de peuples uniquement civilisés à leurs propres yeux et selon des critères définis pas eux-même.

Conclusion

La fondation est un espace accueillant et ouvert, j'ai beaucoup apprécié le parcours de visite, la qualité des oeuvres exposées et leur mise en scène. Des médiateurs et médiatrices étaient présent⋅es pour apporter les explications complémentaires à la compréhension et l'appréciation des oeuvres facilitant leur accessibilité.

Photos en haute définition